Um livro padrão do século XVIII, que consiste de 36 desenhos a tinta mostrando diretrizes iconométricas precisas para que descrever as figuras de Buda e Bodhisattva. Escrito em Neuari, com algarismos tibetanos, o livro foi aparentemente produzido no Nepal para uso no Tibete.
O conceito de “imagem ideal” do Buda surgiu durante a Idade de Ouro da regra Gupta, do 4º ao 6º século. Bem como as proporções, outros aspectos da descrição – tais como o número de dentes, cor dos olhos, a direcção dos pêlos – tornou-se muito importante. A V & A têm produzido um bom guia para a iconografia do Buda, incluindo a 32 Lakshanas ou características físicas especiais.
Ima Moteki, uma dupla de designers no Japão, acaba de desenvolver um conjunto de tintas sem nome com o objetivo de revolucionar a maneira como as crianças aprendem e pensam sobre as cores. Em vez de utilizar nomes convencionais, cada tubo de tinta branca é marcado com uma “equação” que revela as cores primárias utilizadas e suas proporções para criar a cor específica da tinta.
Yusuke Imai e Ayami Moteki, os designers por trás da “Tinta sem Nome”, acreditam que os rótulos de cores são problemáticos. Imai afirma:
“Ao evitar a atribuição de nomes às cores, buscamos ampliar a definição do que uma cor pode ser e explorar as diversas tonalidades que podem ser criadas por meio da mistura”.
Além de abolir os rótulos, as tintas também têm o intuito de ensinar a teoria das cores. As equações presentes nos tubos de tinta auxiliam as crianças a compreenderem alguns conceitos básicos por trás da teoria das cores, bem como a habilidade de misturar e criar novas cores.
O escultor e designer de moda Jamie Raap se juntou com o arquiteto Henrik Maule para criar o projeto intitulado ZEITGUISED. A dupla inventou um universo paralelo, misturando arte digital 3D e fotografia, inspirando-se em suas experiências com a arquitetura, escultura e o mundo da moda.
ZEITGUISED é um mundo exuberante e futurista. Garotas sensuais e esculturas orgânicas digitais se misturam para trabalhar em parceria com projetos de motion design e editoriais de moda.
O AmpMe, disponível para iOS e Android, é um aplicativo inovador que permite sincronizar um número ilimitado de dispositivos para reproduzir a mesma música simultaneamente. Sem a necessidade de Bluetooth ou Wi-Fi, o aplicativo cria uma “impressão digital sonora” que é captada pelos dispositivos com o AmpMe instalado, iniciando a reprodução da música de forma sincronizada.
Com essa poderosa ferramenta, você pode salvar uma festa sem caixas de som e transformar smartphones e tablets em alto-falantes incríveis. Desfrute de uma experiência sonora amplificada e envolvente, reunindo todos os dispositivos em um só ritmo. Descubra o AmpMe no Urucum Digital e leve suas músicas para outro nível.
Atualmente, o AmpMe está integrado ao acervo do SoundCloud, mas a equipe responsável pelo projeto está empenhada em estabelecer parcerias com outros serviços de streaming.
Se o alto-falante do seu celular não é tão potente, que tal conectar não apenas três, mas até 10, 20 ou até mesmo 300 dispositivos ao mesmo tempo para amplificar o volume? Com o AmpMe, você tem a liberdade de expandir a potência sonora ao conectar vários dispositivos em sincronia. Descubra essa incrível possibilidade no Urucum Digital e leve a experiência sonora a um nível totalmente novo.
No ano de 2013, a Google lançou o algoritmo de compressão Zopfli, com o objetivo de proporcionar um carregamento mais rápido das páginas da internet para todos os usuários. Essa inovação recebeu uma excelente recepção e foi integrada a várias soluções de compressão de dados, desde otimizadores de arquivos PNG até o pré-processamento de conteúdo da web. Agora, a gigante das buscas disponibilizou gratuitamente uma evolução dessa tecnologia.
Chamada de Brotli, essa novidade apresenta um formato de dados totalmente novo, permitindo alcançar taxas de compressão entre 20% e 26% superiores às possíveis com o Zopfli. De acordo com a Google, caso os principais navegadores do mercado adotem essa novidade, a melhor utilização do espaço e o carregamento mais rápido das páginas trarão grandes vantagens para os usuários móveis, reduzindo o consumo de dados móveis e aumentando a eficiência energética do dispositivo.
Explicando a mágica
Acompanhando o anúncio do algoritmo, Zoltan Szabadka, engenheiro de software da renomada empresa de busca, divulgou um estudo comparativo do Brotli com o próprio Zopfli e outras tecnologias de compressão amplamente conhecidas. Segundo Szabadka, essa nova inovação oferece uma velocidade comparável ao Deflate da zlib, enquanto proporciona uma compressão ligeiramente mais densa do que as oferecidas pelo LZMA e Bzip2, com base no corpus Canterbury.
Szabadka explica que esse nível de compactação é alcançado por meio de uma modelagem de contexto de segunda ordem, a reutilização de códigos de entropia e o uso de uma janela de dados passados maior, juntamente com códigos de distribuição conjuntos. Para conferir o estudo comparativo completo, acesse o link.
Os storyboards são uma ferramenta altamente benéfica durante a fase de pré-produção. Em essência, eles consistem em desenhos em formato de quadrinhos que auxiliam na visualização dos layouts de cena e composição. Em produções com grandes recursos financeiros, é comum contratar artistas especializados para criar os storyboards. No entanto, a maioria dos cineastas independentes precisa realizar esse trabalho por conta própria.
As dicas a seguir foram elaboradas pela Dreamworks como um guia de estilo para seus artistas de storyboard. Embora essas dicas tenham sido concebidas para serem aplicadas em animações, os conceitos subjacentes ainda se aplicam a filmes com atores reais.
1. Evitar cenas planas a não ser quando necessário.
Caso você não esteja familiarizado, uma cena plana é uma imagem que não usa perspectiva 3D. Essa representação bidimensional pode resultar em um storyboard pouco envolvente, pois não oferece muitos elementos visuais interessantes. No entanto, se você está querendo obter uma tomada como a visão de Deus de Wes Anderson, a cena plana pode ser o jeito certo.
Um exemplo de Cena Plana de Wes Anderson
2. Estabelecer grades para ajudar a “aterrar” seus personagens e composições.
Utilizar grades no storyboard auxilia no desenvolvimento de um senso de espaço e na determinação da posição da câmera. A ausência dessas grades pode tornar difícil demonstrar como os personagens estão posicionados na cena.
3. Usar o primeiro plano, médio plano, plano de fundo & plano de fundo distante para mostrar profundidade.
É importante lembrar que os elementos podem se estender desde o primeiro plano até o fundo de uma cena, como paredes, árvores, entre outros. Da mesma forma que uma cena bem composta, um storyboard precisa incluir elementos em diferentes distâncias para transmitir a sensação de profundidade.
4. Ao lidar com vários personagens, tentar agrupá-los logicamente para ajudar a fazer os cortes irem e voltarem com mais facilidade.
Capturar uma cena em que mais de duas pessoas estão conversando ao mesmo tempo pode ser desafiador. Para facilitar a seleção de cortes, a Dreamworks recomenda agrupar as pessoas.
5. Ser cauteloso com composições em que tudo é paralelo ao quadro.
Quando objetos estão alinhados paralelamente ao quadro, a cena pode se tornar menos interessante. Para adicionar profundidade, experimente criar um equilíbrio no plano de fundo.
6. Tomar cuidado com como você enquadra os personagens… Não esprema-os só para caberem na cena.
Esse é um dos princípios básicos do desenho. Da mesma forma que acontece com a composição de uma cena de vídeo, o espaço vazio é tão importante quanto o espaço preenchido. Não sinta a obrigação de preencher e sobrecarregar cada parte do quadro.
7. Cenas sobre o ombro & cenas de reação ajudam a mostrar diálogos.
Cenas “sujas” ajudam a dar à cena uma sensação de intimidade ou mesmo hostilidade, fazendo o diálogo parecer mais importante.
8. Explorar as diferentes alturas dos personagens se você precisar estabelecer ou restabelecer sua cena.
Como qualquer curso inicial abordará, os ângulos de câmera transmitem ao público informações importantes sobre como devem sentir-se em relação a um personagem. Os ângulos elevados sugerem fraqueza e medo, enquanto os ângulos baixos implicam poder e dominação. Ao cortar em alturas diferentes dos personagens, é possível reforçar a maneira como o público se sente em relação a cada um deles.
9. Motivar seus cortes.
Assim como na edição, os seus storyboards devem demonstrar a motivação para os cortes. Isso pode ser evidenciado por meio de efeitos sonoros descritos, movimentos de cabeça, gestos e outros elementos visuais.
Essas imagens foram originalmente compartilhadas por Ben Caldwell em seu blog. Você pode fazer o download de versões em tamanho completo dos storyboards em seu post, que abrange a história e anotações de design.
O design do Ferrolic é baseado em um fascínio profundo pelo mágico material chamado Ferro Fluid. A dinâmica única desse fluido estabelece uma conexão entre as telas digitais comuns do cotidiano e a realidade tangível.
Devido ao comportamento imprevisível do fluido, os corpos percebidos na tela Ferrolic apresentam uma notável semelhança com organismos vivos. Essa qualidade vital confere à Ferrolic a capacidade de contar narrativas significativas, como as criaturas brincando de pega-pega. Além do fluxo natural do material, o Ferrolic pode moldar formas reconhecíveis e até mesmo exibir caracteres escritos. Combinando camadas de informação de forma simultânea, o Ferrolic cria cenas e transições de maneira poética, quase dançante, coreografando uma experiência visual encantadora.
Quem nunca passou algum perrengue confiando nos mapas do celular enquanto viajava ao perceber que a bateria do aparelho estava terminando justamente quando você mais precisava dele? Ou acabou tendo que adivinhar o nome de ruas e avenidas depois daquele mapa de papel ficar com a tinta gasta? Um novo modelo de mapas, criado por um estudante de design da Hungria, pretende acabar de vez com esses problemas.
A criação de Dénes Sátor é um mapa criativo em formato de bola que, ao ser apertado, dá zoom na área que você deseja ver. O mapa é um balão durável cheio de ar com impressão detalhada, que permite que você veja até mesmo os nomes das ruas ao expandir uma área e ganhou o nome de EggMap por seu formato semelhante ao de um ovo. Por ser pequeno, do tamanho de uma daquelas bolinhas anti-stress, o mapa também pode ser levado para qualquer lugar e é até mesmo à prova d’água.
Por enquanto, somente a cidade de Budapeste ganhou o seu próprio mapa em formato de bola, mas o designer afirma que o projeto deverá ser expandido para outras cidades em breve. Já é possível se inscrever para receber novidades quando iniciar a pré-venda do EggMap ou acompanhar as novidades diretamente no Facebook do produto.
Sinceramente, para mim fica a dúvida de como se converte uma cidade num plano “esférico” dessa forma, visto que os limites dela não irão se encontrar com os outros limites, quando colocada em algo redondo.
Você programador, designer, marinheiro de primeira viagem no mundo dos códigos ou apenas curioso tecnológico, já teve problemas na hora de escolher aquela cor para um site ou aplicativo? Qual é o código dessa cor? Como ela vai aparecer no meu monitor? Talvez esse site possa te ajudar.
O HTML Color Codes oferece várias formas de escolher aquela corzinha especial. Através de um seletor, cartela de cores, nome das cores, sim nome! Caso você faça parte daquela gama de pessoas que só conhece 12 ou 24 cores, saiba que existem muitas tonalidades e cada uma com seu nome próprio.
Além disso o site ainda oferece tutorias e recursos para te ajudar no uso dessas cores na linguagem HTML. Bacana né? Confere lá.
