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Comece a criar storyboards mais dinâmicos com estas dicas da Dreamworks

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Mais um texto traduzido para ajudar os colegas quadrinistas brasileiros. Este foi escrito por Caleb Ward no site The Beat baseado nas anotações de Ben Caldwell.

Storyboards são uma ferramenta extremamente útil para ter no processo de pré-produção. Simplificando, storyboards são desenhos em quadrinhos semelhantes utilizados para mostrar layouts de cena e composição. Filmes com muitos recursos orçamentários têm artistas especificamente contratados para fazer storyboards, mas a maioria dos cineastas independentes têm que fazer o trabalho eles mesmos.

Se suas habilidades de desenho são qualquer coisa como as minhas, seus storyboards provavelmente parecem feitos por uma criança do jardim de infância. Mas o que se pudéssemos fazer storyboards tão bons quanto os profissionais?

As dicas a seguir foram criadas pela Dreamworks como um guia de estilo para os seus artistas de storyboard. Embora essas dicas sejam destinadas para uso em animação, os conceitos ainda se aplicam a filmes live-action.

1. Evitar cenas planas a não ser quando necessário.

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Se você não estiver familiarizado, cena plana é uma imagem que é nula de perspectiva 3D. A imagem plana não é muito envolvente e, assim, contribui para um storyboard desinteressante. No entanto, se você está querendo obter uma tomada como a visão de Deus de Wes Anderson, a cena plana pode ser o jeito certo.

Um exemplo de Cena Plana de Wes Anderson

Um exemplo de Cena Plana de Wes Anderson

 

2. Estabelecer grades para ajudar a “aterrar” seus personagens e composições.

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Aterrar grades ajuda a desenvolver um senso de espaço e posição de câmera. Sem grades pode ser difícil de demonstrar como os personagens estão posicionados na cena.

 

3. Usar o primeiro plano, médio plano, plano de fundo & plano de fundo distante para mostrar profundidade.

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Tenha em mente que elementos podem levar até o primeiro plano e o fundo de uma cena (paredes, árvores, etc). Assim como uma cena bem composta, um storyboard precisa ter elementos em diferentes distâncias, a fim de mostrar profundidade.

 

4. Ao lidar com vários personagens, tentar agrupá-los logicamente para ajudar a fazer os cortes irem e voltarem com mais facilidade.

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Pode ser bastante difícil para filmar mais de duas pessoas conversando entre si ao mesmo tempo. A Dreamworks recomenda agrupar as pessoas para facilitar a escolha de cortes.

 

5. Ser cauteloso com composições em que tudo é paralelo ao quadro.

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Tendo objetos paralelo ao quadro faz uma cena muito desinteressante. Tente compensar o fundo para adicionar profundidade.

 

6. Tomar cuidado com como você enquadra os personagens… Não esprema-os só para caberem na cena.

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Esta é dos princípios simples de desenho. Assim como com a cena de um vídeo, o espaço vazio é tão importante quanto o espaço que é preenchido. Não sinta a necessidade de preencher e amontoar cada parte do quadro.

 

7. Cenas sobre o ombro & cenas de reação ajudam a mostrar diálogos.

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Cenas “sujas” ajudam a dar à cena uma sensação de intimidade ou mesmo hostilidade, fazendo o diálogo parecer mais importante.

9. Explorar as diferentes alturas dos personagens se você precisar estabelecer ou restabelecer sua cena.

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Como qualquer curso iniciante irá dizer-lhe, ângulos de câmera dizem ao público muito sobre como eles deveriam se sentir sobre um personagem. Alto ângulos implicam fraqueza e medo, ângulos baixos implicam poder e dominação. Cortando em diferentes alturas de personagens podem lembrar o público como se sentem sobre determinados personagens.

10. Motivar seus cortes.

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Assim como na edição, seus storyboards precisa mostrar a motivação para cortes. Isso pode ser efeitos sonoros escritos, cabeças girando, movimentos, etc.

Todas essas imagens foram compartilhadas pela primeira vez por Ben Caldwell em seu blog. Você pode baixar impressões de página inteira dos storyboards em seu post de história/anotações de design.

 

Via Café com HQ

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Os divertidos retratos ilustrados de Robert De Jesus

Robert de Jesus é um ilustrador que cria retratos bem interessantes a partir de fotos de seus clientes. Confira.

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Via designerd

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Animadores Das Décadas De 40/50/60 E Seus Espelhos

Durante a Era de Ouro da animação, os animadores da Walt Disney Productions, Warner Bros e da Hanna-Barbera Productions usavam espelhinhos posicionados ao lado de suas mesas de trabalho para criar as expressões cheias de personalidade de personagens “careteiros” famosos como Fred Flintstone, Pernalonga, Pato Donald, Tom & Jerry e outros. Cada um desses tinha seu próprio manual de expressões, que eram desenvolvidas e catalogadas pelos seus criadores na fase de estudo e desenvolvimento do personagem, garantindo assim uma consistência para que pudessem ser animados por outros artistas sem perder sua essência.

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via Update Or Die

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Assista La Linea, Animações Italianas Populares da década de 70, desenhadas com uma única linha

Simplicidade não é o objetivo. É o subproduto de uma boa idéia e expectativas modestas.

Assim falou o designer Paul Rand, um homem que sabia algo sobre fazer passar uma ideia, tendo criado logos icônicos para marcas muito conhecidas como ABC, IBM e UPS.

Um exemplo da observação de Rand, La Linea, aka Mr. Line, um personagem tão querido e enganosamente simples, desenhado com uma única linha contínua, começou como um figurante para uma companhia de panelas italiana. Não importa o que ele consegue fazer em dois ou três minutos, ele determinou que ele eventualmente vai intrometer-se contra as limitações da sua realidade linear. Sua vibração, a resposta apoplética provou um sucesso com os telespectadores em apenas alguns episódios, então a conexão com as panelas foi cortada. Mr. Line passou a se tornar uma estrela global em seu próprio direito, aparecendo em 90 animações curtas ao longo de sua história de 15 anos, começando em 1971. Encontre muitos dos episódios no Youtube aqui.

A fórmula soa bastante simples. O animador Osvaldo Cavandoli inicia cada episódio, traçando uma linha horizontal em lápis de cera branca. A linha assume forma humana. Mr. Line é um cara atentado, do tipo que se entrega a tudo o que é que ele está fazendo, sendo admirando as meninas na praia, tocando piano clássico ou patinação no gelo.

A locução do artista Carlo Bonomi contribui em grande parte com o charme de Mr. Line. Com um sotaque italiano, mas com sua trilha vocal 90% de jargão improvisada, com um punhado de dialetos. Veja-o canalizar o personagem na cabine de gravação, abaixo.

Veja aqui Cavandoli e Mr. Line batendo um papo.

 

via Open Culture

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O toque de beleza e obscuridade de Andrew Mar

Sempre me atraíram e me inspiraram as artes levemente bizarras do artista conceitual americano Andrew Mar. Em seu site Andrew fala sobre ele dizendo apenas “Eu como e desenho em São Francisco”.

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As histórias do Motorola Spotlight Player

Todos amamos histórias, elas alimentam a nossa imaginação e tornam a vida mais interessante. O mundo da mobilidade, junto a arte e a tecnologia permitiram que a forma de “contar histórias”  evoluísse assim como todo o resto do mundo evolui.

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A Motorola uniu os engenheiros de ATAP com diretores premiados e está criando narrativas excluisvas para celulares. O Motorola Spotlight Player usa os avanços em gráficos 3D mais modernos para fornecer histórias interativas imersivas em tempo real.

A observação e o controle do que se vê é totalmente do espectador, isso proporciona uma forma de exploração da história bem interessante. Cada um vê o que quer e entende a história de uma forma única. Às vezes, as surpresas estão onde você menos espera. Os controles são adaptações de controles utilizados para pousos interplanetários de precisão.

Originalidade, criatividade e entreterimento, tudo isso você pode esperar das “Spotlight Storys“. Histórias como Windy Day, a primeira Spotlight Story, foi criada por Jan Pinkava, diretor vencedor do Oscar e criador dos filmes O Jogo de Geri e Ratatouille da Pixar. A última, Duet, prossegue com a exploração desse novo ambiente criativo, com animação desenhada a mão e uma história pessoal do famoso animador da Disney, Glen Keane.

O Spotlight Stories Player requer conexão Wi-Fi (ou um BOM 3G ou 4G) e não está disponível para todos os aparelhos. Se você tiver sorte, quem sabe o seu aparelho será compatível.

Você pode baixar o Spotlight Player aqui.

 

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5 Dicas para se criar arte, não importando seu nível de habilidade

Algumas pequenas dicas que poderão levar a sua arte para um próximo nível.

Não se preocupe em encontrar o seu estilo inconfundível.

DontWorryAboutStyle

Algumas pessoas colocam muito peso em si, para estabelecer um estilo único que nunca foi criado. Deixe-se inspirar pelos outros (que não é o mesmo que copiar). Eventualmente, o seu próprio estilo irá surgir naturalmente.

As vezes esse processo é lento outras mais rápido. As vezes, sem que você perceba, sua arte já tem características que te identificam, mas elas não são as características que você desejava ou simplesmente você não as percebe.

Gostar de quem você é e como sua arte se manifesta é parte importante para se criar seu próprio estilo.

Experimente

Exerpiment

Inovação conta com espontaneidade e risco. Deixe-se inspirar para experimentar coisas novas, mesmo se você não sabe o que irá sair de resultado. Não se preocupe com o que as pessoas esperam ou pensam de você. Criatividade é imprevisível!

Não se sinta pressionado a ter controle de tudo o que produz, as vezes certas coisas simplesmente saem por “acidente”. Expressões daquele momento único que você está vivendo.

Esqueça objetividade

ForgetObjectivity

Ninguém experimenta o mundo da mesma maneira que você faz sua arte. Não tente pintar de forma realista perfeita. Pinte o que você vê. Sua imagem precisa apenas agradá-lo, no fim das contas.

Claro que se o seu objetivo é ser um grande pintor realista, você deve se dedicar a isso e aprender tudo a respeito, mas entenda que o domínio da técnica não irá acontecer do dia para a noite e muito provavelmente a sua pintura realista não será igual em tudo aos seus ídolos. Ela terá a sua cara e a sua técnica.

Se livre de expectativas excessivas

FreeYourselfFromExpectation

A mais difícil de todas para mim. Trate cada peça como um trabalho em andamento. Não gosta do que vê de inicio? Considere isso como um primeiro esboço. Isto irá liberar sua mente da pressão para fazer um produto final, e você pode se surpreender com as belas imagens que você cria quando você não está se esforçando exageradamente para criar belas imagens.

 

Informações: Artigo de Felix do mindbodygreen e Design Culture

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